La journée sans fin. Pouvez-vous croire que cette photo a été prise vers minuit ? Dans les latitudes supérieures de la terre, à l’approche de l’été, les jours ont tendance à s’allonger jusqu’au solstice d’été en juin. Dans les endroits au-dessus du cercle polaire arctique, le soleil passe à peine sous l’horizon pendant environ un mois au cours de cette période. Dans les pays nordiques, le week-end après le solstice d’été (21 juin) est un moment de fête, de célébration et de vacances. Tirant le meilleur parti de mon temps, j’ai décidé de me diriger vers les îles Åland pour un voyage en sac à dos. Alors que pendant les journées je passais à pédaler à travers l’île principale, la nuit, je pouvais sortir de ma tente pour voir les couleurs que le soleil couchant montrerait aux spectateurs. Cette photo a été prise le long de la côte ouest du continent des îles Aland.
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Quand il s’agit de photographie de rue, la première chose qui vient souvent à l’esprit est de montrer une tranche de vie avec des gens vaquant à leurs activités quotidiennes. Certains photographes réussissent également à nous présenter des personnes intéressantes à travers des portraits de rue.
Cependant, si vous êtes plus intéressé à représenter des personnages fascinants au lieu de simplement des visages accrocheurs, cela peut être un peu difficile. C’est là qu’une collection de portraits de rue de Michael Goldberg, basé à Los Angeles, entre en scène. Je suis sûr que cela vous donnera des idées pour la prochaine fois que vous sortirez dans la rue !
Canaliser Bruce Gilden
Le travail de Goldberg m’a immédiatement rappelé le new-yorkais Bruce Gilden et son style «in your face», donc je ne serais pas surpris s’il s’était réellement inspiré de l’icône de la photographie de rue. Sa collection de portraits apporte la même humeur et énergie que Gilden a atteint en se rapprochant vraiment de ses sujets.
Outre le fait qu’il avait choisi des sujets vraiment intéressants, j’aime aussi la façon dont Goldberg a pu capturer un esprit dynamique dans ses clichés. C’est évidemment une approche différente de la plupart des portraits de rue conventionnels. Qu’il s’agisse des expressions inhabituelles ou des sujets capturés en plein mouvement, nul doute qu’ils apportent une énergie à ce style visuel. Je trouve cela vraiment efficace pour attirer l’attention du spectateur.
Est-ce trop près ?
Puisque nous parlons de Gilden, l’appréhension contre son style emblématique ne peut être évitée. Beaucoup pensent que son approche est effrontée et trop intrusive. Les portraits de rue de HI sont également souvent réalisés avec un flash puissant pour séparer bien en évidence les sujets de l’arrière-plan et mettre en valeur leurs caractéristiques. C’est un autre détail qui est souvent détesté dans son approche. Tous ces éléments sont également présents dans les portraits de rue de Goldberg, et je peux imaginer comment il aurait pu obtenir la même réponse pour ces photos que Gilden.
Cela m’a amené à penser, est-ce que cette proximité est en effet trop intrusive ? Je comprends qu’il peut être ennuyeux d’avoir un étranger surgissant de nulle part pendant que vous êtes dans la rue et pointez un appareil photo avec un flash puissant devant vous. De nombreux photographes de rue ont également pesé sur le sujet, et leurs points de vue restent partagés.
Cependant, j’ai aussi remarqué une légère différence dans le décor de Goldberg : la plupart de ses sujets sont conscients qu’il prend leurs photos. Ou du moins, conscient de sa présence. Il y a encore un air de surprise ou de non-préparation chez certains d’entre eux, mais il semble toujours que cela ne les dérangeait pas.
Au final, je pense que ce qui fait que ce style fonctionne, ce sont les expressions et les gestes authentiques immortalisés dans les photos. Ils élèvent également les sujets en personnages intéressants au lieu de personnes qui sont simplement passées dans le cadre. Cependant, cela dépend toujours de vos propres valeurs et de votre éthique en tant que photographe. Si vous pouvez trouver un moyen de contourner l’audace du processus et d’obtenir toujours le même effet, je dis allez-y !
Toutes les photos sont de Michael Goldberg. Utilisé avec l’autorisation de Creative Commons.
Krister Berg est actuellement photographe amateur et professeur de méditation. Il est diplômé en études religieuses et travaille à l’Église de Suède dans l’un des faubourgs de Stockholm. Ses premiers pas de photographe se font dans la chambre noire de l’école dans les années 80. Il a travaillé dans les années 90 en tant que photographe professionnel spécialisé dans le paysage, la nature et les missions commerciales. Il a souvent figuré dans des magazines suédois de photo et de plein air. Il est également membre de l’association suédoise des photographes naturalistes.
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Nous en avons tous fait l’expérience. Frustration. La situation est la suivante : vous avez pris un jour de congé. Voyage dans un lieu fantastique. Levé à l’aube. La lumière du matin cherche son chemin à travers la brume. Mais vous ne voyez pas d’image, et vous savez que la lumière va bientôt disparaître. Vous êtes ennuyé de ne pas avoir été en place une heure plus tôt. La brume se retire, et toujours pas d’image. Vous tentez quelques clichés, mais vous savez déjà que le résultat ne servira à rien. Votre frustration est énorme. Le temps et l’argent se sentent perdus. J’ai entendu parler d’un photographe d’oiseaux qui, dans les années 70, a acquis un nouvel appareil photo et est allé dans les marais pour passer la nuit à attendre le lekking du tétras lyre. A l’aube, les tétras lyres lancent leur cri mais la caméra était morte. En désespoir de cause, il pousse la caméra dans les marais et rentre chez lui.
La caméra est toujours là. On peut se demander ce qui était le plus important – prendre une photo ou l’expérience d’écouter le lekking du tétras lyre ? Dans la nature, il y a beaucoup d’idées et d’attentes perdues. Des choses auxquelles nous avons pensé et espéré mais jamais réalisées. La lumière était mauvaise, avec trop peu de brume, un ciel bleu clair, des couleurs d’automne médiocres, pas assez d’eau, trop de vent, de la pluie, des gens, une puce mémoire oubliée, une batterie déchargée. Compte tenu de tout cela, on se demande s’il est possible de prendre une photo.
Cependant, il faut se poser la question : si je n’ai pas besoin d’un revenu de ma photographie, d’où vient cette envie ? Ma photographie est-elle mesurée par rapport à mes propres normes ou à celles de quelqu’un d’autre ? Qui décide de ce qui est bon ? Peut-être que certaines de ces envies peuvent être liées aux modèles que nous avons. Est-il judicieux d’avoir des photographes professionnels comme modèles ? Qui doit produire des photos commercialement viables ? Des photos qui veulent que vous reveniez au même endroit qu’eux. Ou pour remplir votre bucket list. Demandez-vous si vos modèles créent des problèmes ou vous libèrent.
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Vous prévoyez d’aller bientôt à la plage pour une séance de portrait panoramique ? Vous feriez mieux d’être prêt avec quelques idées fraîches qui tirent le meilleur parti de votre emplacement. Vous n’avez pas toujours besoin d’une configuration sophistiquée pour cela. Grâce aux conseils d’aujourd’hui, vous pourrez réaliser de superbes portraits de plage à la lumière naturelle ! Dans la vidéo […]
Dans le monde de la photographie, il existe plusieurs termes techniques qui peuvent être accablants pour les débutants. ISO est l’un de ces termes qui confond souvent les photographes en herbe. Dans cet article, nous allons essayer de simplifier le concept d’ISO et d’expliquer son importance dans la photographie numérique.
Qu’est-ce que l’ISO ?
ISO signifie Organisation internationale de normalisation, qui établit des normes pour diverses industries, y compris la photographie. En photographie, ISO fait référence à la sensibilité du capteur d’image d’un appareil photo numérique à la lumière. Il mesure la quantité de lumière nécessaire pour créer une image correctement exposée. En termes plus simples, l’ISO détermine la capacité de l’appareil photo à capturer des images dans des conditions de faible luminosité sans compromettre la qualité.
À l’époque du film, ISO faisait référence à la sensibilité du film. Cela fonctionnait toujours à peu près de la même manière que les appareils photo modernes d’aujourd’hui, dans la mesure où l’ISO 100 était idéale pour les journées ensoleillées, tandis que l’ISO 1600 ou même l’ISO 6400 était plus adaptée aux environnements sombres en intérieur ou à la photographie de nuit.
Comprendre les paramètres ISO
ISO est représenté par une valeur numérique, telle que ISO 100, ISO 400 ou ISO 640. Plus la valeur ISO est faible, moins le capteur d’image est sensible à la lumière, ce qui réduit le bruit dans l’image. D’autre part, des valeurs ISO plus élevées augmentent la sensibilité du capteur, vous permettant de capturer des images dans des environnements à faible luminosité, mais au prix d’introduire plus de bruit.
Qu’est-ce que le bruit ?
Alors, qu’est-ce que le bruit exactement ? Le bruit en photographie fait référence au voile granuleux qui peut masquer les détails et dégrader la qualité d’une image. Cela se produit dans des situations de faible luminosité ou lors de l’utilisation de paramètres ISO élevés, car le capteur de l’appareil photo a du mal à recueillir suffisamment de lumière, ce qui entraîne un bruit amplifié. Le bruit peut déformer les couleurs, réduire la netteté et créer un manque général de clarté. Rendant souvent les images inutilisables. Le bruit peut également être causé par des images fortement sous-exposées, plutôt que par une sensibilité ISO élevée.
Qu’est-ce que BASEISO ?
De nombreux fabricants d’appareils photo ont des paramètres ISO de base, il s’agit de l’ISO natif le plus bas sur cet appareil photo (ou marque). Pourquoi est-ce important? Il vous donne la possibilité de produire la meilleure qualité d’image, en minimisant autant que possible la visibilité du bruit. Les reflex numériques plus anciens et un certain nombre d’appareils photo modernes ont un ISO de base de 200, alors que la plupart des appareils photo numériques modernes (comme mon Sonya7RIII) ont un ISO de base de 100. Google l’ISO de base pour votre appareil photo et essayez toujours de vous en tenir à l’ISO de base pour obtenir la meilleure qualité d’image. Cependant, ce n’est pas toujours possible de le faire, surtout dans des conditions de faible luminosité.
ISO200 – Bruit minimal même en raison de conditions de faible luminosité
ISO et exposition
L’ISO est étroitement liée à deux autres aspects fondamentaux de la photographie : l’ouverture et la vitesse d’obturation. Ensemble, ces trois facteurs déterminent l’exposition d’une image. Alors que l’ouverture contrôle la quantité de lumière entrant dans l’appareil photo à travers l’objectif et que la vitesse d’obturation détermine la durée de l’exposition, l’ISO affecte la sensibilité de l’appareil photo à la lumière. L’équilibrage de ces paramètres est essentiel pour obtenir une image bien exposée sans surexposition ni sous-exposition.
Quel ISO devriez-vous utiliser?
Le choix du réglage ISO dépend des conditions de prise de vue et de l’effet artistique souhaité. Pour les environnements bien éclairés, tels que la lumière du jour en plein air, un réglage ISO faible (par exemple, ISO 100 ou 200) convient. Cela garantit un minimum de bruit et une qualité d’image maximale. Dans des situations de faible éclairage, comme la photographie en intérieur ou de nuit, des valeurs ISO plus élevées (par exemple, ISO 800 ou plus) peuvent être utilisées pour capturer des images plus lumineuses. Cependant, il est important de noter que des valeurs ISO plus élevées peuvent introduire du bruit, ce qui réduit la qualité globale de l’image.
Appareils photo numériques modernes et performances ISO
Les progrès de la technologie de l’appareil photo ont considérablement amélioré les performances des paramètres ISO plus élevés. De nombreux appareils photo modernes peuvent gérer des valeurs ISO élevées avec un minimum de bruit, permettant aux photographes de capturer des images de qualité même dans des conditions d’éclairage difficiles. Cependant, il est toujours conseillé d’utiliser le réglage ISO le plus bas possible pour maintenir une qualité d’image optimale chaque fois que possible.
Laboratoires Topaz avec un réglage élevé (93) utilisant le modèle Low Light.
Pouvez-vous supprimer le bruit en post-production ?
Bien sûr, il n’est pas toujours possible d’utiliser ISO100, en particulier dans des situations de faible luminosité ou si vous devez augmenter votre ISO pour obtenir une vitesse d’obturation plus rapide. C’est là que la post-production peut aider. Cela ne peut pas toujours corriger toutes les images, mais dans certaines situations, cela peut aider énormément. vous pouvez essayer Lightroom Denoise, Topaz Denoise, Luminar Neo Noiseless IADXO Pure Raw3, juste pour commencer.
Un dernier mot sur l’ISO
L’ISO est un paramètre crucial en photographie qui détermine la sensibilité du capteur d’image de l’appareil photo à la lumière. En comprenant l’ISO et sa relation avec l’ouverture et la vitesse d’obturation, les photographes peuvent capturer des images bien exposées dans diverses situations d’éclairage, en trouvant un équilibre entre sensibilité et qualité d’image.
Vous voulez en savoir plus ? Découvrez ces articles (Site service photographie aérienne) :
L’été dernier, nous avons voyagé en Norvège lors d’un voyage organisé par une agence de tourisme, nous arrêtant à différents endroits pour voir certains des endroits les plus emblématiques du pays. L’un d’eux est le Geirangerfjord, visité et admiré par des milliers de touristes toute l’année mais surtout pendant les mois d’été. De plus, nous avons eu droit à un point de vue exceptionnel appelé « Eagle’s Road » ou « Eagle’s View », qui n’était initialement pas au programme de notre voyage.
Arriver à ce point était plutôt décevant dans le sens où la route était presque entièrement recouverte de brouillard. Cependant, nous avons été ravis lorsque nous sommes arrivés sur la plate-forme en verre spécialement construite et avons vu la brume se dissiper. J’ai donc eu la chance de photographier le fjord de Geiranger dans toute sa splendeur et sa longueur, presque avec un bateau de croisière naviguant à travers et les Sept Sœurs (sept cascades) tombant en cascade sur le rocher de granit escarpé vu à l’extrémité de cette image. Après avoir pris plusieurs photos, j’ai pensé que je devais capturer le majestueux fjord avec un cadre panoramique.
Je crois que ce cliché est le bon pour le sujet de ce numéro (paysages maussades), débordant d’atmosphère et de grandeur ! Bien que je doive admettre que cela a été un choix difficile pour moi d’avoir de nombreuses images liées.
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Keith Beven est professeur émérite d’hydrologie à l’Université de Lancaster où il travaille depuis plus de 30 ans. Il a publié de nombreux articles universitaires et livres sur l’étude et la modélisation informatique des processus hydrologiques. Depuis les années 1990, il a utilisé principalement des appareils photo 120 argentiques, du 6×6 au 6×17, et plus récemment des appareils photo Fuji X lorsqu’il voyageait léger. Il a récemment produit un deuxième livre d’images d’eau intitulé « Panta Rhei – Tout coule » en soutien à l’association caritative WaterAid qui peut être commandé sur son site Web.
mallerstangmagic.co.uk
J’ai toujours aimé le noir, et je me suis rendu compte que, dès le début, l’homme entrait dans des grottes complètement obscures pour peindre. Ils ont aussi peint en noir. Ils auraient pu peindre en blanc car il y avait des pierres blanches partout sur le sol, mais non, ils ont choisi de peindre en noir – dans le noir.~ Pierre Soulage
Le vrai noir est plutôt rare dans le paysage. Les nuages noirs à l’horizon, les profondeurs noires d’un lac ou la noirceur du ciel nocturne sont rarement, en fait, noirs. Les photographes ont besoin de lumière pour enregistrer sur un film ou un capteur numérique, et le noir est l’absence de lumière. Les surfaces noires sont celles qui absorbent la majeure partie de la lumière qui tombe sur elles et en émettent peu en retour. Peu de surfaces dans la nature absorbent autant de lumière pour être considérées comme un noir pur. Même dans le ciel nocturne et le vide absorbant qu’est l’espace au-delà, la diffusion de la lumière par les particules dans l’atmosphère laisse souvent une trace de couleur lorsqu’elle est vue du sol (d’où la commercialisation récente de filtres de ciel nocturne pour éliminer la lumière diffusée des zones urbaines sources dans une certaine gamme de longueurs d’onde). Certes, il y a des ombres sombres qui peuvent avoir besoin d’être soigneusement exposées pour révéler certains détails, mais elles ne sont pas souvent d’un noir pur.
Ainsi, l’utilisation du noir pur dans une image est d’employer une forme de licence artistique et a en effet une longue histoire dans l’art, remontant à l’utilisation préhistorique du noir dans la création de peintures rupestres et rupestres (voir la citation ci-dessus). Le noir était alors l’un des pigments facilement disponibles, comme il le fut plus tard dans la fabrication des encres, où il s’affina particulièrement (mélange de suie de pin et de colle animale) dans la production de la calligraphie chinoise et de la peinture de paysage appelée Shanshui (eau de montagne) art. Plus tard dans le 14e Les moines chinois du siècle ont introduit le style au Japon où des encres faites de suie de lampe à huile et de colles ont été utilisées dans le Sumi-e style de paysages monochromes raffinés, dont l’une des caractéristiques était qu’ils devaient être produits avec des coups de pinceau minimes mais exquis.
L’utilisation du noir en peinture est poussée à l’extrême vers la fin du 19e Siècle du peintre français Paul Bilhaud (1854-1933) avec un rectangle tout noir avec le titre (pas très réveillé) Combat de nègres dans la nuit de 18821. Cela a été poussé plus loin par Alphonse Allais dans son Primo-avrilesque album de « monochromide” travaux de 18962. Bilhaud et Allais étaient tous deux membres du Incohèrentsun groupe qui a existé pendant une période relativement courte au cours des années 1880 mais qui a influencé un certain nombre de 20e Mouvements du siècle dans l’art, y compris le dadaïsme, le surréalisme et le minimalisme d’une manière qui n’a été révélée que récemment3.
Paul Billhaud, Combat de nègres dans la nuit (1882)4
Il y a eu d’autres traditions d’utilisation du (quasi) noir dans la tradition artistique occidentale. Ceux-ci incluent le style clair-obscur 5(de l’italien clairlumière et obscur, sombre) utilisé à la Renaissance par des artistes tels que Raphaël, Caravage, Rembrandt et son élève Gerrit Dou. Le style était principalement utilisé pour les portraits et les natures mortes. Dans la plupart de ces peintures, tout paysage est généralement obscurci en arrière-plan, mais à la fin du 18e Siècle, le peintre anglais Joseph Wright of Derby a adopté le style pour les portraits et les paysages.
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Les jours nuageux, brumeux ou pluvieux peuvent produire des photos très étonnantes si vous savez comment travailler avec eux pour maximiser vos résultats. L’atmosphère de pluie, de tempêtes, de brouillard et d’autres conditions inconfortables peut raconter une histoire beaucoup plus dramatique que le beau temps ne le pourrait jamais. La meilleure partie du mauvais temps est la lumière, qui […]
Le message Puerto de Sagunto, Valence, Espagne est apparu en premier sur (service photographie aérienne).
Cette image a été prise un matin brumeux à la fin du mois de mars sur la plage de Pfieffer dans le parc d’état de Pfeiffer Big Sur.
Quand je suis arrivé, le brouillard était si dense que la plage n’était pas visible. Il avait humidifié les rochers sur le rivage, et ils brillaient quand le soleil perçait la brume.
Alors que le brouillard se dissipait en se retirant vers l’ouest, il semblait recouvrir les collines. J’ai choisi d’inclure les rochers accidentés au premier plan pour créer un équilibre avec la douceur de l’atmosphère et le ciel bleu.
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Dimitri Vasileiou • Éditeur
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