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L’impression de vos images est un excellent moyen de partager votre photographie numérique et d’ajouter un élément spécial à votre flux de travail.

À une époque de plus en plus numérique, de nombreux photographes partagent exclusivement leur travail en ligne. Qu’il s’agisse d’un site Web personnel, d’un site de partage de photos ou d’instagram, pour de nombreux photographes, la seule façon dont leur travail est affiché est sur un moniteur d’ordinateur ou un smartphone.

L’impression est un médium puissant

Il n’y a rien de mal à partager le travail en ligne, bien sûr, mais je crois qu’il y a une partie importante du processus photographique qui est perdu lorsque l’on n’imprime pas leur travail. De plus, une photographie vue sur Instagram ne porte pas le même poids que la même photo considérée comme une impression bien conçue. Voir votre travail prendre vie dans une présentation emmêlée et encadrée est plus puissant.

Cela ne veut pas dire que la photographie numérique consommée uniquement numériquement est sans fondement. Il est incroyablement facile et abordable (souvent gratuit) de partager des images en ligne. Il y a aussi de la valeur à la nature instantanée d’Internet. Que vous recherchiez des commentaires sur votre travail ou que vous créiez votre entreprise en ligne, être en mesure de publier rapidement de nombreuses images est excellente.

Cette image a été imprimée sur le papier d’art Baryta d’Epson d’Epson à l’aide d’une imprimante Epson Surecolor P800. Le papier offre d’excellents niveaux noirs et saturation. J’ai utilisé de nombreux excellents papiers, mais le papier Baryta d’Epson Legacy est l’un des meilleurs. C’est aussi un papier cher, avec une feuille de 17 par 22 pouces coûtant 5 $ chacune.

Ces mêmes avantages ne sont pas aussi facilement ressentis lorsque vous envisagez vos images pour imprimer, en particulier à la maison. Cela prend du temps, pour une chose, mais un plus grand moyen de dissuasion pour beaucoup est le coût de l’impression des photos. Le papier et l’encre ne sont pas bon marché, surtout lorsqu’ils font de grandes impressions sur du papier de qualité. Une imprimante photo grand format est également une dépense. Vous pouvez, bien sûr, utiliser une imprimante locale ou un laboratoire photo en ligne pour imprimer votre travail, mais vous perdez un niveau de contrôle sur le processus et le service peut être coûteux.

Détails

Avec une image comme celle-ci, qui a été imprimée sur Epson Legacy Platine Paper, le diable est dans les détails. Regarder un grand imprimé de ceci et de nombreuses autres images de paysage est une expérience différente de la visualisation sur un écran. Voir une grande impression vous permet de choisir tous les meilleurs détails de la scène. Des détails tels que les branches, la glace sur la montagne et le peu de feuillage d’automne restant qui flottent à la surface de l’eau. Une grande impression peut vous transporter dans un endroit d’une manière qui, je crois, est plus percutante.

La plupart des photographes travaillant exclusivement dans le domaine numérique, vous perdez l’élément pratique de la photographie, qui était critique lorsque le film a dominé l’industrie. En incorporant l’impression dans votre flux de travail de photographie numérique, vous réintroduisez un élément très pratique à votre photographie numérique. Vous sélectionnez votre article, chargez votre imprimante et après quelques minutes, vous avez transformé votre fichier numérique en une photo que vous pouvez tenir entre vos mains.

Contrôlez comment votre travail est visualisé

Une autre excellente raison d’imprimer votre travail pour l’affichage est que vous avez un contrôle complet sur la façon dont votre travail est visualisé. Lorsque vous envoyez un fichier numérique dans le monde pour être visualisé, les gens le verront dans différentes conditions, avec des paramètres de moniteur disparates et à des tailles variées. Lorsque vous faites une impression, vous pouvez contrôler la taille de l’impression et comment elle est vue par d’autres, qu’elle soit encadrée ou indiquée uniquement sous une certaine lumière.

De plus, vous pouvez choisir le type de papier que vous utilisez, ce qui peut avoir un impact spectaculaire sur l’apparence d’une photographie. Le papier brillant peut être mieux adapté aux images vibrantes et à contraste élevé, tandis qu’un papier mat ou même un papier texturé peut bien fonctionner dans d’autres situations et fournir un ton et une sensation très différents.

Coût

Comme mentionné précédemment, le coût est un facteur lorsque l’on envisage d’imprimer votre travail. Il y a un véritable coût monétaire à l’avance et il y a un coût de temps associé au processus d’impression. La création d’un flux de travail cohérent est le meilleur moyen de limiter les coûts. En utilisant la gestion des couleurs et en comprenant votre imprimante, vous pouvez vous assurer que vous gaspillez très peu de feuilles de papier et de l’encre minimale. En ce qui concerne le coût le plus élevé, le coût d’une imprimante, l’identification de vos besoins et la sélection de la bonne imprimante assure le meilleur coup pour votre argent. Il est trop facile d’acheter une imprimante trop grande pour vos besoins typiques, alors soyez réaliste avec vos plans d’impression.

C’est l’une de mes images préférées. Il prend vie sur la page. Dans ce cas, je l’ai imprimé sur du papier platine Epson Legacy pour faire ressortir les couleurs vibrantes. Je l’ai imprimé avec succès sur plusieurs types de papier différents. C’est un simple coup mais j’aime toujours le voir sortir de mon imprimante. En fin de compte, ce sentiment est ce qui compte le plus lorsque vous voyez votre travail de cette façon. Rien ne vaut de voir vos photos préférées fraîchement imprimées.

Vous ne regretterez pas d’impression

En fin de compte, je crois que le coût en vaut la peine. J’imprime mon propre travail à la maison depuis presque aussi longtemps que je suis photographe. Être capable de contrôler la création d’une photographie de la capture jusqu’au produit final est amusant et satisfaisant. J’ai pu expérimenter de nombreux types de papier et des moyens de montrer mon travail, ce qui a aidé à maintenir la photographie passionnante.

En ce qui me concerne, il n’y a pas de substitut électronique disponible pour une impression photo de haute qualité. Ils font d’excellents cadeaux. Ils offrent aux clients un beau produit. Et, ils gardent la photographie numérique enracinée dans le domaine du tangible.

Un court voyage de Bend, l’Oregon, propulse rapidement un dans le cœur des montagnes Cascade. Caractérisée par des lacs et des rivières nourris aux glaciers, des cascades, des forêts et des pics volcaniques, cette région est très populaire toute l’année pour ses loisirs de plein air.

Niché entre les sommets du Mount Bachelor, Broken Top et South Sister se trouve le lac Sparks. Ce grand lac peu profond a été formé lorsque les coulées de lave de ces volcans voisins ont bloqué la rivière Deschutes. Il s’agit du premier des « High Lakes » rencontrés lors du déplacement de l’autoroute Cascade Lakes vers l’ouest depuis Bend.

Le lac est bien connu des photographes locaux (et des campeurs) pour sa beauté sereine, ses prairies et sa vue multiple sur les pics environnants. Je me suis dirigé là-haut une soirée du milieu de l’été, désireux de découvrir une composition unique qui raconterait une histoire de l’emplacement et de l’environnement du lac.

Cette image particulière regarde vers le nord vers Broken Top Mountain, un reste de 9 200 pieds d’un stratovolcano qui a explosé lors de la formation des cascades. Ses pics escarpés ont été érodés par les glaciers et sont colorés violets, rouges, noirs, jaunes, orange, marron et blancs par des couches de ponce, de tuf, de scoria et de lave. Ainsi, il est étonnamment coloré dans les tons chauds des heures d’or du coucher du soleil.

Ce coup était assez simple, j’ai remarqué le pin mort qui était étendu dans les bas-fonds près du rivage. Les pins verts sur le rivage opposé ont fourni une belle transition vers les pentes menant au pic stérile. Les herbes basses sur le bord de l’eau ont également fourni un bel accent. Et heureusement, il n’y avait pas de vent, donc la surface de l’eau était un miroir presque parfait. Une belle bande de nuages ​​s’est déplacée dans la région avec un timing exquis, complétant la scène que je suis heureuse de pouvoir présenter sur ces pages.

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1. Chiyoda: le centre politique

2. Chūō: le cœur économique

3. Minato: le quartier international

4. Shinjuku: The Lively Ward

5. Shibuya: le quartier des jeunes et de la mode

6. Toshima: le district universitaire

7. Bunkyō: culture et connaissance

8. Taitō: tradition et modernité

9. Sumida: le lieu de naissance de Sumo

10. Kōtō: le quartier du front de mer

11. Shinagawa: la passerelle de Tokyo

12. Meguro: un quartier résidentiel calme

13. ōta: un quartier au bord de l’eau

14. Setagaya: une salle verte

15. Nakano: un quartier de la hanche

16. Suginami: le service des temples et des studios d’anime

17. Nerima: agriculture à Tokyo

18. Kita: Le côté nord de Tokyo

19. Arakawa: un coin traditionnel

20. Itabashi: une salle familiale

21. Adachi: un mélange de tradition et de modernité

22. Katsushika: Le quartier festif

23. Edogawa: le quartier de la famille et des loisirs

Conclusion

J’entends souvent cette plainte. J’ai reçu mes imprimés du laboratoire et ils étaient trop sombres! Ou, l’imprimante que j’ai obtenue pour Noël imprime toujours mes images sous-exposées. La plupart des problèmes avec les imprimés sombres proviennent de votre moniteur trop brillant. Voici une solution.

Pourquoi profil votre moniteur?

Vous ne pouvez pas dépendre de vos globes oculaires pour la couleur et la densité car ils s’ajusteront automatiquement pour rendre le blanc clair. De plus, vos élèves s’ajusteront pour permettre des changements de luminosité. Dans la plupart des ordinateurs et des moniteurs, la luminosité est assez élevée. Beaucoup sont utilisés dans un espace de travail pendant la nuit et doivent pouvoir être vus dans cet environnement. C’est bien bien lorsque vous travaillez sur des documents de mots et des feuilles de calcul; Pas si bon lors de l’édition d’images. Lorsque vous utilisez un moniteur trop brillant, vous effectuez des ajustements qui finiront par imprimer sombre. Vous devez avoir un profil prédéterminé et un réglage de luminosité sur vos moniteurs qui est standard pour l’industrie. Entrez le profilage.

Luminosité

La luminosité est la première des raisons de profiler votre moniteur. La lumière est mesurée en CD / m² (candela par mètre carré). Il s’agit d’une unité de mesure pour l’intensité lumineuse utilisée pour calculer la lumière émise par une source dans une direction particulière. Une norme dans l’industrie photo est de 120 cd / m². Cela peut toujours se retrouver avec des images imprimées qui sortent sombres. J’ai mentionné que les photographes professionnels de l’Amérique (PPA) l’utilisent comme norme de visualisation pour les critiques d’images et la compétition.

Un ami photographe a dit qu’il utilisait toujours ce réglage de luminosité. J’ai dit que j’avais également un deuxième profil pour l’impression avec le moniteur à 80 cd / m² pour empêcher mes impressions d’être trop sombres. Ensuite, je l’ai entendu se gifler la tête et dire: «Mec, c’est génial! Je dois souvent faire des ajustements pour empêcher mes impressions d’être trop sombres! » Par conséquent, la raison de la rédaction de cet article. Si mon ami, qui est un photographe commercial accompli de nombreuses années, n’a pas déjà fait cela, il est temps de partager.

Vous devrez faire des tests pour trouver le niveau de luminosité correct pour votre configuration de moniteur et d’impression. Mais une fois que vous avez terminé les tests, vous pouvez vous rappeler le profil approprié et être prêt à partir. Encore une mise en garde pour ceux de PPA: si votre moniteur est prêt à imprimer la luminosité car il est plus sombre, vos images deviendront trop brillantes sur les moniteurs des jurés. Je vois cela beaucoup en tant que juge. Utilisez plusieurs profils.

Couleur

La luminosité est un facteur majeur aussi longtemps pour mettre votre impression en ordre. De plus, si vous avez corrigé la couleur de votre moniteur, cela améliorera également votre sortie. Une unité d’étalonnage des couleurs exécutera une série de couleurs tout en les lisant. Il sait ce que ces couleurs sont censées être, et il voit ce qu’ils sont en réalité. Le profil prend en compte cet écart et fait des ajustements. Cela peut faire une énorme différence dans la cohérence de votre sortie. Encore une fois, votre œil rendra toujours une image qui vous apparaît blanche. Mais si vous surveillez, vous voyez des couleurs jaunes ou bleues globales dans l’impression finale.

Mon appareil

J’utilise l’affichage Pro HL de Calibrite (alimenté par X-Rite) comme périphérique de profil de moniteur. C’est à peu près le plug and joue. Téléchargez le logiciel. Inclinez un peu votre moniteur afin que l’appareil repose carrément sur l’écran. Branchez-le sur votre emplacement USB et activez. Suivez les instructions et vous êtes bon à emporter. En plus de profiter de votre moniteur, d’autres appareils comme le projecteur peuvent également être profilés.

Afficher

Lorsque vous avez créé et enregistré les profils, ils doivent être appliqués. Trouvez les paramètres de votre système et recherchez l’affichage. Là, vous pourrez appliquer les profils que vous avez créés. Selon le travail que vous faites, vous pouvez modifier ces profils à la poussée d’un bouton. Différents moniteurs et systèmes d’exploitation utilisent une terminologie légèrement différente, donc je ne vais pas dans un tutoriel complet ici. Le périphérique de profil et l’entreprise qui en fait peuvent vous donner toutes les informations dont vous avez besoin.

Voici quelques autres appareils et articles sur les moniteurs corrects de couleur:

La vôtre en photographie créative,

Bob

Godox présente l’épique 100WS TTL Li-ion Round Head Camera Flash V100. Le Godox V100 redéfinit les normes des clignotements à la caméra, apportant une époque de puissance de 100WS à l’éclairage portable. Ce flash révolutionnaire fournit une synchronisation globale d’obturation, un écran tactile de couleur de 2,3 pouces dynamique, un menu intuitif et des opérations de synchronisation à un tapis. Il combine des fonctionnalités de pointe et des performances de qualité professionnelle pour fournir une solution ultime pour l’éclairage professionnel.

100WS, au-delà des limites

Le V100 définit une nouvelle référence pour les clignotements à la caméra en offrant une puissance de 100W sans précédent à sa sortie maximale (mode M). Avec des étapes de puissance réglables de 1/1 à 1/256 ou de 2,0 à 10, il couvre le spectre d’une lumière de remplissage subtile à un éclairage robuste pour divers scénarios, repoussant les limites de la créativité dans la photographie flash.

Écran tactile intuitif, contrôle sans effort

Équipé d’un écran tactile de 2,3 ”en couleur et haute sensibilité, le V100 offre une interface lisse et réactive. Associé à une conception de menu intuitive et à une disposition de contrôle logique, il permet aux photographes d’ajuster rapidement les niveaux de puissance, d’activer la synchronisation à grande vitesse, de basculer entre les modes TTL / M et les appareils de paire avec un seul robinet, améliorant considérablement l’efficacité du flux de travail.

Synchronisation du flash de l’obturateur global

Le V100 est parfaitement compatible avec les caméras avec un volet mondial comme Sony A9 III. Soutenir les vitesses d’obturation jusqu’à 1/80 000 secondes et offrir des fonctionnalités TTL, il offre une prise de vue continue à grande vitesse exceptionnelle avec une précision sans effort. Cela en fait un choix idéal pour la photographie sportive, la lumière vive extérieure et d’autres scénarios de prise de vue en évolution rapide.

70 flashs consécutifs en pleine puissance

Grâce à son système de refroidissement avancé, le V100 offre 70 à 100 flashs consécutifs à 100W sans compromettre les performances. Cela garantit une efficacité et une flexibilité améliorées de prise de vue, vous permettant de gérer facilement des scénarios complexes et de capturer chaque moment brillant de votre vision créative.

Sous-flash détachable

Le V100 poursuit la conception de sous-flash détachable très appréciée (SU-1) du V1 Pro. Cette fonctionnalité polyvalente permet des configurations à double lumière avec un seul flash, offrant des solutions d’éclairage créatives pour la photographie de portrait.

Synchronisation sans fil, flux de travail rationalisé

Avec le système X Godox 2.4G sans fil intégré, le V100 fonctionne à la fois comme unité maître et récepteur. Sa capacité d’appariement à un coup s’intègre de manière transparente avec le déclencheur X3 ou d’autres unités flash sans fil Godox, rationaliser les configurations multi-flash et augmenter la productivité.

Batterie puissante, charge pratique

Propulsé par la même batterie de lithium haute performance que le V1 Pro, le V100 assure une prise de vue ininterrompue. Le port de charge de Type-C et la compatibilité avec le chargeur multi-battement VC26T rendent la recharge rapide et pratique.

* Batterie compatible avec V860III, V1, V1 Pro et AD100PRO

Recyclage amélioré avec puissance externe

Le V100 comprend un port pour le pack de puissance flash lithium-ion PB960, réduisant le temps de recyclage complet jusqu’à 0,8 seconde. Cette fonctionnalité prend en charge les scénarios de prise de vue exigeants et à haute intensité, garantissant des performances maximales.

Lampe de modélisation LED intégrée

Une lampe de modélisation LED 2W avec 10 niveaux réglables offre des options flexibles pour prévisualiser les effets de lumière ou servir de lumière de remplissage. La lampe prend en charge les modes continue ou d’interruption, répondant à différents besoins créatifs.

Écosystème accessoire complet

Le V100 est compatible avec une large gamme d’accessoires Godox, y compris le kit d’accessoires AK-R1 pour les têtes flash rondes, la fixation de projection AK-R21, le dôme de diffusion pliable AK-R22 et le support S2 Speedlite pour Bowens, entre autres. Que vous étiez affinuré la lumière, explorez les effets créatifs ou élargissez les fonctionnalités, le V100 est conçu pour répondre à tous les besoins.

Caméras compatibles

• Caméras Canon EOS (E-TTL II Auto Flash)
• Nikon Cameras (I-TTL Auto Flash)
• Caméras Sony (TTL Auto Flash)
• Caméras Fujifilm (TTL Auto Flash)
• Système OM (TTL Auto Flash)

Caractéristiques:

• Puissance (sortie 1/1): 100WS
• Couverture flash: Zoom automatique (la couverture flash est définie automatiquement pour correspondre à la longueur focale et à la taille de l’image) | Zoom manuel (28-105 mm) | Tête flash swinging / inclinaison (flash de rebond): 0 à 330 ° horizontalement et -7 ° à 120 ° verticalement
• Durée du flash –
• 1/300S-1/20000
• Système de contrôle d’exposition: -e-ttl Auto Flash and Manual Flash | I-TTL Auto Flash and Manual Flash | TTL Auto Flash and Manual Flash | TTL Auto Flash and Manual Flash | TTL Auto Flash et Flash manuel
• Compensation d’exposition au flash (FEC): 3 étapes avec un incrément 1/3 à chaque étape
• Mode synchronisé:
• Synchronisation à grande vitesse (jusqu’à 1/8000 secondes, jusqu’en 1/80000 avec sony caméra à déclenchement Sony Global), la synchronisation de premier curain et la synchronisation du secondaire
• Multi Flash: Fourni (jusqu’à 100 fois, 100 Hz)
• Flash sans fil (transmission radio 2.4G): expéditeur, récepteur
• Groupes de récepteurs contrôlables: a, b, c, d, e
• Plage de transmission (environ): 100m
• Canaux: 32: 01 ~ 32
• Dimensions: 2,81 ″ x 2,99 ″ x 8,11 ″
• Poids (avec batterie): 616g

Pour les spécifications complètes et la disponibilité, veuillez visiter le site Web de Godox.

Le photographe de grand format, David Tatnall, nous a contactés et nous a suggéré d’interviewer Charles et en voyant son travail, nous avons tout à fait d’accord! David est le rédacteur en chef de View Camera Australia, un site dédié à la promotion de la photographie à grand format et Charles a écrit un article pour eux en 2020. Le travail de Charles dans l’industrie minière en Australie lui a donné accès au désert alors que les routes minières traversent les routes de nombreuses parties du paysage. Nous avons contacté pour en savoir plus sur son travail en Australie et en Tasmanie.

Pourriez-vous nous parler un peu de votre amour pour la photographie de paysage, quelles étaient vos premières passions, ce que vous avez étudié et le cheminement de carrière que vous avez finalement poursuivi?

Ma passion pour le paysage et la photographier a commencé lorsque j’ai quitté mon état d’origine, et j’ai déménagé en Australie-Occidentale en 2004. J’avais terminé l’université, et un ami et moi avons décidé d’avoir un changement complet de style de vie. Nous avons conduit à travers le pays dans une ville minière appelée Kalgoorlie pour chercher du travail. À ce stade, je ne connaissais que la photographie à un niveau très basique. Je voulais une caméra avec des commandes manuelles parce que je pensais qu’il pourrait être intéressant d’apprendre comment fonctionnaient les caméras. Cela s’est avéré être une excellente idée parce que je suis rapidement venu pour profiter de notre voyage et de nos explorations ultérieures tout en vivant et en travaillant dans une ville minière reculée dans les champs dorés.

Ma passion pour le paysage et la photographier a commencé lorsque j’ai quitté mon état d’origine, et j’ai déménagé en Australie-Occidentale en 2004. J’avais terminé l’université, et un ami et moi avons décidé d’avoir un changement complet de style de vie.

Vous avez obtenu un diplôme en beaux-arts à l’Université de Tasmanie, en vous concentrant principalement sur le processus numérique de création d’images, de son et de vidéo. Cela a-t-il inspiré votre passion pour la photographie et pourquoi avez-vous choisi de poursuivre la photographie de paysage?

L’université a fourni les bases de mon éventuel passage à la photographie de paysage, mais à l’époque, je n’avais pas trouvé le support pour mon travail personnel. Au cours de mes dernières années de lycée, j’ai utilisé une caméra Apple Quicktake, que j’ai trouvée révolutionnaire. Cela m’a permis de capturer des images numériques et de les télécharger directement dans un ordinateur pour créer des composites. J’ai toujours pensé que la photographie cinématographique semblait lourde par rapport à l’immédiateté du numérique. Ironiquement, au fil des ans, j’ai gravité vers la photographie cinématographique, qui domine désormais mon processus.

À l’université, j’ai été attiré par le studio vidéo dans le sous-sol du bâtiment artistique. Le studio était un espace faiblement éclairé rempli de panneaux de patch, de caméras de studio et d’équipement audio, supervisé par une vidéo et un artiste sonore adaptant à un espace comme ça, avec son choc de cheveux gris et de tempérament qui reflétait l’environnement. Je me suis également inscrit à des cours d’imagerie numérique, de dessin et de conception graphique. Avec le recul, j’aurais également dû m’inscrire à des cours de photographie.

Au moment où j’ai obtenu mon diplôme, je n’avais pas de cheminement de carrière clair. J’ai imaginé travailler dans un rôle technique à la télévision, mais j’ai fini par profiter de l’occasion pour voyager à travers le pays. Cette décision m’a conduit à temps à la photographie de paysage et aux activités associées qui s’y attachent.

Qui ou quelle a été la plus grande source d’inspiration dans votre croissance en tant que photographe – que ce soit des photographes, des artistes ou des individus?

Mes plus grandes inspirations ont été Peter Dombrovskis, Bruce Barnbaum, Paul Wakefield, Chris Bell, Christopher Burkett, Ansel Adams, David Tatnall, Peter Clark, Ragnar Axelsson, et Magnum et National Geographic Prophothers pour avoir inspiré à la fois un travail paysager et un travail documentaire familial personnel. Je crédite également ma famille comme une grande source d’inspiration.

Je trouve profondément enrichissant de documenter la vie de famille, et cela donne un grand contraste avec le paysage. Sans le soutien et la compréhension de ma femme, Caroline, je ne m’aventurerais pas en solo dans le désert presque aussi souvent que moi!

Je trouve profondément enrichissant de documenter la vie de famille, et cela donne un grand contraste avec le paysage. Sans le soutien et la compréhension de ma femme, Caroline, je ne m’aventurerais pas en solo dans le désert presque aussi souvent que moi! À l’occasion, Caroline me rejoint, et j’essaie de ne pas trop la permettre en errant en rond et en cherchant une composition! Beaucoup de crédit doivent également aller à David Tatnall et à la communauté de photographie australienne à grand format, en particulier à celles qui présentent des expositions en ligne de Camera Australia. C’est un honneur de montrer mon travail sur les mêmes pages Web de certains artistes incroyablement talentueux.

Pouvez-vous partager des livres qui ont inspiré ou approfondi votre passion pour la photographie?

Je recommande vivement ces livres à tout photographe en herbe ou chevronné:

• Le paysage de Paul Wakefield
• Le négatif d’Ansel Adams
• Utilisation de la caméra de vue par Steve Simmons
• L’art de la photographie de Bruce Barnbaum
• Peter Dombrovskis: une collection photographique
• Primal Places de Chris Bell
• Or par Sebastião Salgado
• Derniers jours de l’Arctique par Ragnar Axelsson
• Intitimations du paradis par Christopher Burkett
• Le Pilbara par Hugh Brown
• Magnum (une collection d’œuvres de la célèbre agence photo)

Votre parcours de photographie a commencé avec des images capturées dans la région de Pilbara en Australie occidentale. Comment le paysage unique du Pilbara a-t-il influencé votre style photographique et la façon dont vous vous exprimez de manière créative?

Le vaste paysage ancien du Pilbara a eu un impact profond sur mon style photographique et mon inspiration. La roche oxydante chargée de minerai de fer de la région, la lumière dramatique, le grand ciel ouvert, les tempêtes de saison des humides, les incendies, les inondations, les plaines spinifex et les gorges anciennes m’ont appris à apprécier la lumière et le contraste, la texture et la forme. C’est un endroit qui m’a également appris à regarder vers l’intérieur, pas seulement vers l’extérieur. Travailler dans une zone aussi éloignée et étonnamment belle a augmenté ma sensibilité à l’interaction de la lumière et de l’ombre et, en même temps, des saisons à l’intérieur, des concepts qui restent au cœur de mon travail aujourd’hui. Je pense que je peux créditer le Pilbara et l’impact que cela a eu sur la façon dont je vois maintenant mon travail comme une série d’autoportraits, la caméra capturant ce qui se trouve derrière l’objectif ainsi que ce qui se trouve à l’avant.